1. Introducción

En el ámbito de la formación artística, y más específicamente en la educación musical profesional, el desarrollo de habilidades musicales es esencial. Estas habilidades constituyen el lenguaje mediante el cual los músicos profesionales expresan sus sentimientos, pensamientos y se comunican con el mundo. Por lo tanto, en la formación de estos profesionales, es crucial que los encargados de guiar el proceso educativo inicial posean una base teórica y práctica sólida para desempeñar su rol docente en las escuelas de arte. Además, es fundamental que mantengan una actitud positiva, abierta y comprometida hacia la innovación, tanto en el aula como en la institución, ya que esto contribuye al desarrollo social (Rodríguez-Gómez & Gairín Sallán, 2015). Esta premisa condujo a la formulación de la siguiente pregunta de investigación: ¿Cuáles son las percepciones de los docentes de una Escuela Superior de Formación Artística Pública sobre la innovación para el desarrollo de habilidades musicales en los estudiantes del primer ciclo?

Este estudio incluye un marco conceptual que proporciona la base para el análisis de los datos recopilados. Además, en la sección siguiente, se detalla el diseño metodológico. Esto incluye la descripción del enfoque y método utilizados, las categorías definidas, la técnica e instrumento para la recolección de datos, y la identificación de los informantes. También se aborda el procedimiento para el análisis de la información. Finalmente, en una sección posterior, se realiza la interpretación y discusión de los hallazgos, culminando con la presentación de las conclusiones del estudio.

1.1. Habilidades musicales e innovación.

La música ha sido una constante en nuestras vidas, desempeñando un papel crucial en el desarrollo humano. En el contexto de una sociedad que constantemente demanda cambios y evolución, la música no es una excepción. Este escenario de transformación representa una oportunidad significativa para el crecimiento y la innovación en el ámbito musical. Por lo tanto, este trabajo se centra en explorar las habilidades musicales y las innovaciones emergentes que contribuyen a su desarrollo.

Para abordar el concepto de habilidades musicales, es esencial considerarlas como un conjunto de pericias específicas que se interrelacionan, facilitando a las personas la capacidad de comprender, estudiar y, eventualmente, acceder a la creatividad musical (Iglesias Martínez, et al., 2018). La habilidad musical se define por las destrezas y capacidades que permiten a una persona expresarse a través de sonidos, melodías, cantos, ritmos y práctica instrumental. Estas habilidades están compuestas por elementos perceptivos y memorísticos, que incluyen aspectos sensoriomotores, tonalidades y percepción auditiva. En concreto, abarcan aptitudes específicas relacionadas con el tono, timbre, ritmo, intensidad y armonía, tanto en sus aspectos perceptivos como ejecutivos.

Este enfoque bifurcado en la habilidad musical revela dos aspectos fundamentales: uno relacionado con la manifestación de sonidos, ritmos, melodías, producción y reconocimiento de tonos, y otro vinculado al uso práctico de instrumentos musicales y al canto (Iglesias et al., 2018).

Según Guerra et al. (2006), la habilidad musical se manifiesta a través de la apreciación y análisis de la música, lo cual forma la base para que una persona pueda crear e interpretar música. Por lo tanto, la evaluación de la habilidad musical debe abordarse desde una perspectiva analítica, considerando tanto los aspectos melódicos como los rítmicos. En este contexto, es crucial fomentar en el ámbito universitario proyectos de innovación educativa que integren todas las áreas de conocimiento. Estos proyectos deben estar orientados hacia el protagonismo del estudiantado, estableciendo un aprendizaje coherente e interdisciplinario que se aplique a la realidad de nuestro entorno. De esta manera, se contribuye a la formación de una ciudadanía responsable, crítica y comprometida (Botella et al. (2016).

Se reconoce que la innovación, en su aplicación práctica, es clave para satisfacer necesidades específicas en un campo determinado. Esto se debe a que promueve procesos o resultados diferentes a los convencionales. En el contexto de la educación musical, estos procesos innovadores son cruciales para abordar y resolver problemas relacionados con el desarrollo de habilidades musicales. La innovación pedagógica en música debería, por tanto, fomentar el desarrollo de nuevas perspectivas en los procesos básicos de musicalización, como la iniciación musical y la educación del oído, entre otros. Según Fajardo-Dolci & Ramiro (2015), lo destacable de un proceso de innovación es su capacidad para resolver problemas, impactando significativamente en la vida de las personas.

El objetivo de la innovación es incrementar la efectividad de las instituciones para satisfacer las necesidades de sus grupos de interés, impulsando un cambio constante en la gestión de la innovación para lograr competitividad. Paralelamente, es vital posicionar la investigación y la innovación como elementos clave en la formación continua de los docentes. Esto implica reflexionar y transformar su práctica docente, lo cual favorecerá la promoción de actitudes positivas entre todos los miembros de la institución educativa.

1.2. Lectura rítmica

En lo que respecta a la educación rítmica, se entiende que esta implica más que simplemente pensar en un patrón rítmico. Captar y transcribir el gesto rítmico es una tarea más compleja, ya que involucra un entendimiento claro de la métrica y de cada acento, así como la incorporación del movimiento corporal. Es fundamental que los estudiantes no solo reconozcan y nombren las figuras rítmicas básicas, sino que también sean capaces de expresarlas corporalmente, moviéndose de diversas maneras en el espacio. Se sugiere que estos ejercicios rítmicos se realicen y ejecuten después de los ejercicios melódicos, estableciendo una conexión con el aprendizaje de la lectura rítmica. Esto permite que el estudiante memorice e identifique figuras rítmicas específicas, como la blanca, la negra y la corchea, así como las cinco líneas del pentagrama (Guerrero Arnaiz et al., 2018).

• Rítmica: De acuerdo con el método Dalcroze, la rítmica implica trabajar el cuerpo a través del movimiento, lo que facilita la expresión de la creatividad y la sensibilidad. Este enfoque pone énfasis en la importancia del movimiento corporal como medio para entender y sentir el ritmo.

• Solfeo: Esta técnica permite la visualización de diferentes conceptos musicales mediante la entonación vocal. El solfeo es esencial para desarrollar la habilidad de leer y entender la música a través de la voz, facilitando así una comprensión más profunda de las nociones musicales.

• Improvisación: Se refiere a la creación y ejecución espontánea de pasajes melódicos y rítmicos. La improvisación ayuda a los estudiantes a orientarse espacialmente y a experimentar los matices musicales de manera más directa y personal.

El acento musical se define como la aplicación de una dinámica intensa y precisa en una nota específica dentro de una melodía, resaltando su importancia en la estructura melódica (Alegría, 2018). En cuanto al compás, este representa una sección de una pieza musical donde coexisten los elementos antes mencionados, como los pulsos y acentos, y puede considerarse como la unidad básica del ritmo de una obra. La secuencia de pulsos y los acentos correspondientes dentro de un compás se repiten a lo largo de la composición, a menos que el compositor especifique un cambio.

1.3. Audio perceptivo

La experiencia musical integral engloba diversas prácticas que conforman la percepción musical. Garmendia & Varela (2012) destacan que existe una metodología de enseñanza musical que prioriza la experiencia auditiva como medio principal para la asimilación de los fundamentos teóricos de la música. El objetivo principal de este método es introducir al estudiante en el mundo del lenguaje musical a través de la experiencia auditiva, fomentando la intuición y estimulando la necesidad de fundamentar las experiencias vividas con los conceptos teóricos correspondientes.

Históricamente, el desarrollo de la educación auditiva comenzó en el siglo XI con la solmización de Guido D’Arezzo, considerado el primer método didáctico de entonación. Posteriormente, en el siglo XVIII, surgió el 'solfeo de solfeos', un método que aún se utiliza en la actualidad. Más recientemente, han emergido diversas metodologías, destacando las corrientes pedagógicas de Dalcroze, Orff, Suzuki y Kodály.

La audición, definida como la acción de escuchar y prestar atención, es fundamental en el desarrollo de la capacidad auditiva, siendo esta la primera fase en el proceso de disfrutar y comprender la música de manera integral. Diversos estudios han demostrado que, desde la etapa de gestación, el feto es capaz de percibir sonidos del exterior. Por lo tanto, desde el nacimiento, es muy beneficioso continuar estimulando y educando el oído para lograr un desarrollo musical adecuado a lo largo de la vida.

En la etapa escolar, los maestros fomentan la audición a través de actividades musicales que incluyen interpretación instrumental, baile y enseñanza del lenguaje musical. En este contexto, la audición se convierte en el eje central de toda actividad musical. Las experiencias sonoras adquiridas en la temprana edad juegan un papel crucial en la formación de la percepción auditiva de cada individuo, sentando las bases para su aprendizaje futuro.

Metodológicamente, el trabajo auditivo en el aula debe considerar aspectos como la conciencia del sonido, el entrenamiento del oído, la audición interna y la memorización, el desarrollo y aprendizaje de la audición, así como el concepto de oído absoluto y oído relativo.

1.4. Lectura musical

La lectura musical se define como el conjunto de procesos de simbolización e interpretación de un texto musical. Como un sistema estructurado y simbólico, representa sonidos y permite su reproducción mediante la voz o un instrumento musical. La principal utilidad de la lectura musical está en la interpretación de obras musicales previamente creadas (Merchán Sánchez-jara, 2016).

• Lectura Silenciosa: Este tipo de lectura implica el procesamiento mental de la información musical, conduciendo a la representación mental de la idea musical y la evocación de imágenes sonoras. Es una forma de recrear el contenido semántico del mensaje musical sin producir sonido.

• Lectura a Primera Vista: Generalmente asociada con la lectura sonora, esta forma de lectura es crucial en el marco de la interpretación, ya sea vocal o instrumental. Implica la habilidad de leer y ejecutar una pieza musical desconocida con precisión.

• Lectura como Guía: En este enfoque, la lectura musical actúa como un punto de acceso o estímulo que guía y facilita la recuperación de estructuras musicales almacenadas en la memoria a largo plazo. Esta modalidad de lectura es especialmente útil para el intérprete durante la ejecución de piezas musicales largas o complejas, proporcionando seguridad y confianza en la interpretación (Merchán Sánchez-jara, 2016).

2. Metodología

2.1. Contexto:

El estudio se llevó a cabo en una Escuela Superior de Formación Artística Pública, una institución dedicada a ofrecer formación profesional en las áreas de Educación Artística y de Artista Profesional, con especialidades en Artes Visuales y Música. Esta institución se destaca como un centro de formación profesional para artistas, incluyendo músicos, quienes son fundamentales en la transmisión del conocimiento artístico musical, tanto en aspectos teóricos como prácticos. Dada la visión holística y compleja que esta institución tiene sobre la habilidad musical y la innovación, se consideró esencial explorar las percepciones de los involucrados en este entorno educativo.

2.2. Enfoque y método de investigación:

a presente investigación se enmarca dentro del paradigma cualitativo, enfocándose en explorar las perspectivas de los participantes (Hernández-Sampieri & Mendoza, 2018). El objetivo principal fue comprender en profundidad las habilidades musicales y la innovación desde la perspectiva de los docentes de una Escuela Superior de Formación Artística Pública, quienes desempeñan un papel crucial en el proceso de Enseñanza-Aprendizaje, especialmente en el ámbito de la música.

Esta investigación, centrada en las habilidades musicales y la innovación, se buscó construir un entendimiento detallado de las percepciones de los docentes, basándose en su experiencia en las escuelas superiores de formación artística pública.

2.3. Técnica e instrumentos para recoger la información:

Para esta investigación, se seleccionó la técnica de la entrevista en profundidad, considerada la más adecuada para alcanzar los objetivos planteados. Las entrevistas en profundidad son encuentros cara a cara entre el entrevistador y el entrevistado (Taylor y Bogdan, citados por Robles, 2011), que facilitan la construcción de percepciones del informante tal como las expresa. Para la recolección de información, se utilizó una guía de preguntas basada en diecisiete subcategorías. Este instrumento fue validado por un experto, quien evaluó la claridad, coherencia y relevancia de los ítems, y posteriormente dio su conformidad para la aplicación de la guía de entrevista.

En este estudio, se tuvieron en cuenta los principios éticos durante el proceso de investigación. Se aplicó un protocolo de consentimiento informado a cada informante para garantizar su participación anónima y asegurar que la información proporcionada se utilizara exclusivamente para este estudio. Además, en línea con el principio de integridad científica, se solicitó a los informantes su autorización para la grabación en audio y video de las entrevistas, realizadas a través de la aplicación Zoom.

2.4. Informantes

En esta investigación participaron cuatro docentes de la Escuela Superior de Formación Artística Pública. La selección de estos docentes se realizó siguiendo criterios de inclusión específicos: ser profesores de música de profesión, estar nombrados o contratados por la institución, y tener más de 4 años de experiencia en la enseñanza a nivel superior. Por otro lado, los criterios de exclusión incluyeron a aquellos docentes con menos de 4 años de experiencia en el nivel superior o que fueran docentes visitantes en la institución. Para garantizar la confidencialidad, a cada docente participante se le asignó un código único, como se detalla en la tabla 1.

Tabla 1.
Caracterización de los informantes seleccionados

Código de informante	Sexo	Tiempo de servicio	Asignaturas a cargo
D1	Masculino	4	Teoría y Análisis-Instrumento principal
D2	Masculino	15	Análisis y formas musicales
D3	Masculino	15	Instrumento principal: Trompeta Teoría y Análisis
D4	Masculino	20	Pedagogía y práctica pre profesional

3. Resultados y discusión

La recolección de información se efectuó mediante registros de audio y video utilizando la aplicación Zoom, y posteriormente se transcribió esta información, asegurando el anonimato de los informantes mediante códigos asignados. Los datos recabados se organizaron en matrices, lo que facilitó la identificación de hallazgos relevantes. Estos hallazgos se codificaron y se destacaron segmentos específicos de información para una interacción más profunda con los datos y su interpretación. A partir de los datos interpretados, se identificaron elementos emergentes que delinearon con precisión cada categoría de estudio.

El proceso de análisis se caracterizó por su naturaleza interpretativa e inductiva, lo que permitió examinar los hallazgos a la luz del marco conceptual establecido inicialmente. En este estudio cualitativo, se buscó obtener datos que luego se transformaron en información valiosa (Hernández-Sampieri & Mendoza, 2018). De especial interés fueron las percepciones de los docentes en relación con las habilidades musicales y la innovación, aspectos clave para comprender la dinámica de la enseñanza musical en la institución estudiada.

La interpretación de los hallazgos se llevó a cabo por subcategorías, tomando en cuenta los testimonios más relevantes y significativos de los informantes, así como la reflexión de los investigadores y el marco conceptual que fundamenta este estudio.

En lo que respecta a la primera subcategoría, la lectura rítmica, existe un consenso entre los docentes entrevistados sobre la orientación de la enseñanza del ritmo. Destacan la importancia de la percusión corporal y el movimiento del cuerpo, así como el uso de palmadas, para que los estudiantes puedan internalizar cada una de las figuras musicales. Estas opiniones sugieren una relación favorable en la práctica de la lectura rítmica. Las respuestas obtenidas ilustran claramente esta situación:

• Para poder enseñar ritmo, es necesario tener en consideración el tiempo, el pulso y el acento adecuado. Esto nos permite centrarnos en las dificultades específicas. Si hablamos de ritmo, cada persona tiene un ritmo de vida muy distinto, incluso en la educación. (D1)

• La enseñanza del ritmo se desarrolla a través de las palabras, la percusión y el movimiento. En este caso, la música, que está inmersa en la danza, es un elemento clave. Utilizamos también partes de nuestro cuerpo, percutiendo con la mano derecha, la mano izquierda, o combinando ambas manos para crear diferentes figuras rítmicas como parte del desarrollo del ritmo. (D3)

• El ritmo también puede enseñarse a través de la percusión corporal, ya que lo trabajamos en el aula y los estudiantes aprenden a usar su cuerpo para crear ritmo. Otra forma es mediante los instrumentos de percusión. (D4)

En cuanto a la lectura rítmica, los docentes destacan que es una actividad que implica no solo el movimiento corporal, sino también el desplazamiento en el espacio. Es esencial que los estudiantes no solo conozcan y nombren las figuras rítmicas básicas, sino que también sean capaces de expresarlas físicamente. Se sugiere que los ejercicios de lectura rítmica se realicen después de los ejercicios melódicos. De esta manera, los estudiantes pueden establecer una conexión con el aprendizaje de la lectura rítmica, facilitando la memorización e identificación de figuras rítmicas como la blanca, la negra y la corchea, así como las cinco líneas del pentagrama (Swapna, citado en Mamani, 2016).

En la subcategoría denominada 'audio perceptiva' en el proceso de formación musical, se enfatiza la importancia de experimentar los aspectos rítmicos, melódicos, armónicos, instrumentales, de textura y formales de la música. Esto se logra a través de la percepción corporal y auditiva, es decir, el análisis musical auditivo, y posteriormente también a través del análisis musical visual y el solfeo (Garmendia & Varela, 2012).

En concordancia con la subcategoría de audio perceptiva, se encontró que:

• Cuando el instrumento es más grande, producimos sonidos más graves, y cuando el instrumento es más pequeño, obtenemos sonidos más agudos. (D2)

• Si escuchamos una flauta, su sonido es bastante agudo. En cambio, si hacemos sonar una trompeta, su sonido es medio, y con una tuba, el sonido es más grave. Así se establece la diferencia entre los sonidos, los colores y la capacidad de reconocer los sonidos agudos y graves. (D3)

• En cuanto a los sonidos, los estudiantes traen sus instrumentos y los interpretan. Por ejemplo, pueden llevar una trompeta, una flauta, un órgano o una guitarra. De esta manera, se explica al estudiante sobre la altura, ya sea un sonido grave o un sonido agudo. (D4)

Los criterios de los docentes subrayan la importancia de reconocer los sonidos graves y agudos, los cuales se encuentran dentro del concepto de las cualidades del sonido, específicamente la 'altura'. Esta cualidad se define por la frecuencia del movimiento vibratorio del instrumento que produce el sonido. Según Vázquez Llique (2019), un sonido será más agudo si tiene una frecuencia más alta y más grave si su frecuencia es menor.

En lo que respecta a la subcategoría de Lectura Musical, los cuatro docentes enfatizaron la importancia de los métodos y técnicas en el proceso de enseñanza-aprendizaje. Desde su perspectiva, el silabeo rítmico, utilizando figuras musicales como negras y corcheas, así como el uso del pentagrama, son fundamentales en el aprendizaje de la lectura musical. Además, destacaron la relevancia de métodos musicales como Orff y Cateura en este proceso, tal como lo indicaron en sus respuestas:

• Existe una técnica que actualmente se considera como un curso de audio percepción. El audio perceptivo, por ejemplo, es lo que uno realiza como docente. (D1)

• En cuanto a la lectura musical, generalmente antes utilizaba tal vez el método Pozzoli, pero luego comencé a trabajar con un método propio que facilita el aprendizaje del estudiante. (D2)

• Siempre he aplicado con mis alumnos métodos para que puedan tener una lectura rápida y básica; yo utilizo más las figuras negras, como "ta-ta-ta-ta". (D3)

• El silabeo rítmico es muy importante y los estudiantes lo emplean para la enseñanza del ritmo. Incluso, existen otras técnicas dentro de los métodos musicales. (D4)

Al analizar las respuestas de los cuatro docentes, se observa una clara priorización en el uso de métodos y técnicas específicos para la enseñanza de la lectura musical, así como en la práctica rítmica, con especial énfasis en el uso de figuras como las negras. Esta preferencia se debe a que la lectura musical es fundamental para que los músicos construyan una comprensión adecuada del texto musical. En otras palabras, la lectura musical proporciona acceso a la información musical esencial, permitiendo una interpretación más precisa y enriquecedora de la obra (Garmendia & Varela, 2012).

En relación con la subcategoría de reflexión de la práctica pedagógica, los informantes vincularon esta categoría con un análisis de sus fortalezas y debilidades en su labor docente. Expresaron lo siguiente:

• A través de la reflexión en los talleres de sistematización, hemos identificado nuestras debilidades y fortalezas. (D4)

• Estoy constantemente capacitándome, escuchando nuevas alternativas y aprendiendo cosas nuevas. (D2)

• Participé en unos cursos, principalmente por la pedagogía, ya que nunca se deja de aprender. (D1)

Es evidente la relación que los docentes establecen entre la reflexión de su práctica pedagógica, la identificación de sus fortalezas y debilidades, y un aprendizaje permanente a través de la participación en cursos de capacitación. Esto resalta el compromiso que asumen con su labor.

En relación con la quinta subcategoría, denominada 'Transformación', los informantes afirman que las innovaciones y estrategias implementadas contribuyen a satisfacer las expectativas del perfil del egresado. Las respuestas siguientes ilustran esta situación:

• La labor docente fomenta el desarrollo de capacidades innovadoras, enriqueciendo nuestra práctica pedagógica en la enseñanza musical. Innovar y crear proyectos permite que los estudiantes se involucren, adoptando valores como el compromiso, liderazgo y autonomía. (D1)

• La labor docente nos impulsa hacia la capacitación y actualización pedagógica continua, facilitando así un aprendizaje de vanguardia. (D2)

• Al alcanzar el perfil del educando de la escuela superior de música, este adquiere la autonomía y facilidad necesarias para integrarse en sus prácticas preprofesionales, aplicando estrategias e innovaciones esenciales para conectarse efectivamente con sus estudiantes de Educación Básica Regular. (D3)

La transformación implica la creación de nuevas condiciones internas que faciliten una adaptación activa a las demandas del entorno. En los sistemas sociales, lo que distingue es que la calidad de las emociones determina el resultado del proceso de transformación y la manera de adaptarse. Transformar la estructura de un sistema humano no significa alterar la imagen de 'lo que somos' (las definiciones que describen al grupo u organización), sino modificar 'cómo vivimos' (Manucci, 2021).

En relación con la subcategoría de competitividad, los informantes manifestaron lo siguiente:

• Actualmente, se enfatiza mucho en las competencias. Las promociones de estudiantes de esta generación deben ser personas competentes en sus campos de especialización. (D1)

• Con nuevas herramientas, enfoques y formas de trabajo, definitivamente podrán alcanzar un alto estándar, no solo a nivel nacional sino también competitivo internacionalmente. (D2)

Los informantes vinculan competitividad con el desempeño profesional y la aplicación de competencias en el contexto del futuro desempeño del estudiante.

Se puede manifestar que los docentes entrevistados, respecto a la categoría habilidad musical, tienen percepciones, que se relacionan con los elementos de dicha categoría tales como pulso tiempo, análisis melódico, empleo del pentagrama y de figuras y notas de musicales y la manera de como incorporar la innovación en el proceso de aprendizaje orientado a desarrollar la habilidad musical, destacando el uso de métodos Orff y Cateura que permitan al futuro profesional un desempeño competente en los diferentes contextos donde tenga que desenvolverse.

4. Conclusiones

Respecto a la comprensión integral de habilidades musicales, los docentes de la Escuela Superior de Formación Artística Pública demuestran una comprensión profunda y teóricamente fundada de las habilidades musicales. Esta comprensión abarca tanto aspectos teóricos como prácticos, incluyendo el dominio de elementos fundamentales como el pulso, el ritmo, la lectura musical y la percepción auditiva. La integración efectiva de la teoría musical con la práctica instrumental subraya el compromiso de los docentes con el desarrollo holístico de las habilidades musicales en los estudiantes.

Con relación al enfoque innovador en la pedagogía musical, los docentes están activamente involucrados en la incorporación de estrategias innovadoras dentro del aula, con un énfasis particular en la adaptación de métodos pedagógicos tradicionales y la exploración de nuevas prácticas para enriquecer el proceso de enseñanza-aprendizaje. Esta disposición hacia la innovación refleja un esfuerzo consciente por responder a las necesidades educativas emergentes de los estudiantes y promover un ambiente de aprendizaje dinámico y participativo.

Vinculado a la preferencia por métodos y técnicas específicas, existe una clara preferencia entre los docentes por métodos y técnicas específicos, como los métodos Orff y Kodály, que fomentan un aprendizaje musical integral. Estos métodos son valorados por su capacidad para promover la creatividad, la improvisación y la participación activa de los estudiantes, evidenciando un enfoque pedagógico que prioriza la experiencia musical vivencial y la interacción constructiva en el aula.

Asimismo, relacionado con la experiencia profesional y colaboración, la innovación pedagógica en el ámbito de la enseñanza musical es en gran medida el resultado de la experiencia profesional de los docentes y del intercambio de experiencias con colegas, tanto dentro de la institución como en foros nacionales e internacionales. Este intercambio colaborativo es fundamental para el desarrollo e implementación de estrategias de enseñanza que faciliten el aprendizaje efectivo de habilidades musicales.

En síntesis, el estudio revela que los docentes de música en la Escuela Superior de Formación Artística Pública poseen una sólida comprensión de las habilidades musicales y adoptan un enfoque innovador hacia la enseñanza, caracterizado por la experimentación con métodos pedagógicos y la colaboración profesional. Este enfoque no solo enriquece la experiencia educativa de los estudiantes, sino que también contribuye significativamente al desarrollo de futuros profesionales de la música con una base sólida en habilidades musicales y una perspectiva abierta hacia la innovación pedagógica. En tal sentido, es recomendable continuar fomentando la promoción de la innovación pedagógica, animando a los docentes a experimentar con nuevas estrategias y compartir sus experiencias y resultados. Además, se recomienda realizar estudios adicionales que incluyan una mayor variedad de instituciones y contextos educativos para profundizar en la comprensión de cómo la innovación puede mejorar el desarrollo de habilidades musicales en una amplia gama de entornos de aprendizaje.

Referencias

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Notas